SHAPES OF TIME

Die künstlerischen Positionen der Gruppenausstellung Shapes of Time greifen Fragen auf, wie Fotografie als Medium und Material eingesetzt werden kann, um den Verlauf der Zeit greifbar zu machen, wie sich gesellschaftliche Umbrüche und technologischer Fortschritt in der Formensprache und anhand von Objekten transportieren und als Konstellation die Parallelität von Vergangenem, Gegenwärtigen und Zukünftigem bezeugen. Die Werke beschäftigen sich mit der Neubewertung des Mediums Fotografie und der Dekontextualisierung von vorhandenen und gefundenen Bildern sowie dem Aufgreifen von analogen, künstlerischen Praktiken vor dem Hintergrund unserer digitalisierten Lebenswelt.

Louisa Clement reflektiert in ihrer Arbeit die Repräsentation des menschlichen Körpers im Zusammenhang der fortschreitenden Digitalisierung unseres Alltages. Wir kommunizieren in hohem Maße digital und agieren mit einer virtuellen Präsenz, welche die klassische Abgrenzung zwischen Mensch und Maschine verschwimmen lässt. Für ihre mit dem Smartphone aufgenommenen Werke inszeniert die Künstlerin in den Serien Avatars und GliedermenschenSchaufensterpuppen und Gliederfiguren als anonyme, serielle Stell-vertreter des menschlichen Körpers als identitätslose Konsumobjekte. Durch Lichtregie und Bildausschnitte abstrahiert Clement die Kompositionen und erzeugt die Illusion hyperrealistischer, digitaler Ästhetik.

Die Mittel der Zeichnung, Malerei und Fotografie inszeniert Hannah Sophie Dunkelberg im skulpturalen Bereich. Für ihre farbigen als auch transparenten, reliefartigen Werke transformiert sie in verschiedenen Schritten die freie assoziative, gestische Zeichnung in dreidimensionale, plas-tische Kompositionen. Sie vereint handwerkliche Herangehensweisen und die Mittel industrieller Produktionsverfahren und thematisiert Fragen nach der Verbindung und der Trennung zwischen Objekt und Oberfläche, Transparenz und Opazität.

Unsere alltägliche Flut an flüchtigen, digitalen Bildern provoziert den Versuch des Festhaltens und des Archivierens. In Anlehnung an das kunsthistorische Stilmittel des Feigenblatts nimmt die Künstlerin sich für ihre Serie Leaves Leaving der Methode des Überdeckens an. Ausschnitte aus dem eigenen Fotoarchiv werden als Collagen auf die Oberfläche der Arbeiten übertragen und liefern eine Metapher für die kuratierte Inszenierung der persönlichen Lebensrealität im digitalen Raum.

In seinen Arbeiten setzt sich Julian Irlinger mit Logiken der Geschichtsschreibung auseinander. In seiner Serie props geht es um die ökonomische Dimension in der Digitalisierung von Museen. Hierbei greift er auf verschiedene digitale Ansichten aus der Frick Collection in New York zurück, die von der Institution und Google jeweils als virtueller Rundgang online frei zur Verfügung gestellt werden. Der Konzern ist jedoch vom Interessen an Data angetrieben und folgt der Logik amerikanischer Philanthropy in Form des größten kostenlosen digitalen Museumsarchivs „Google Cultural Institute“, zu dem auch die Frick Collection gehört. Durch die Montage und Überlagerung der Motive als Lenticular Prints werden die verschiedenen standardisierten Bildproduktionen je nach Position sichtbar und spiegeln die unterschiedlichen ökonomischen Interessen der Auftraggeber. Das Abschreiten des Bildes im Raum konterkariert dabei die schnelle Konsumierbarkeit und Zirkulation der digitalen Ausgangsbilder.

Die Serie Fragments of a Crisis basiert auf seinem Archiv gesammelter „Notgeld“-Scheinen, die als Parallelwährung in der Weimarer Republik zur Inflation ausgegeben wurden. Er reproduziert gewählte Ausschnitte der Banknoten, um das Verhältnis von Ideologie und Ästhetik zu beleuchten. Die Kombinationen der einzelnen Ausschnitte suggerieren dabei inhaltliche Zusammenhänge der Motive und rekonstruiert das politisch Unterbewusste der Zeit. In der Vergrößerung von Fragmenten beleuchtet der Künstler sowohl die handwerklich, künstlerische Qualität der Geldnoten als auch die sozio-politischen und kulturellen Aspekte der gefundenen Bilder.

James Tunks thematisiert in seinen Werken die Rolle der Fotografie und den Status des Fotografen vor dem Hintergrund des hypermodernen Kontextes zunehmender Automatisierung und Massenproduktion. Er behandelt dabei die Auswirkungen des technologischen Fortschritts auf unsere Umwelt und Gesellschaft. Materialtransformation ist in diesem Verhältnis eines der zentralen Themen des Künstlers, der sich in seinen Arbeiten im Rück- und Ausblick Gegenständen, Architekturen und Materialien widmet, die dem Fortschreiten der Zeit ausgesetzt sind. Objekte und Artefakte stehen in inhaltlicher Korrespondenz zum Medium der Fotografie, da beide einerseits als Relikte von etwas bereits Vergangenem zu betrachten sind und anderseits Momentaufnahmen gesellschaftlicher Umbrüche und des jeweiligen technologischen und sozialen Status Quo liefern.

James Welling lotet in seinem Werk die ästhetischen und konzeptuellen Grundlagen des Mediums der Fotografie aus. Seine Arbeiten beruhen auf analytischen und selbstreflexiven Prozessen und Herstellungsverfahren. Hierbei verwendet er sowohl herkömmliche analoge als auch digitale fotografische Methoden, mit oder ohne Kamera bzw. in Kombination. Sein Interesse gilt der Modulation von Licht und Schatten sowie dem Faktor Zeit. Fotografie beinhaltet für Welling nicht die direkte Aufzeichnung des sichtbaren, sondern die kontrollierte Inschrift des Lichts auf Papier.

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